Muchas veces hemos escuchado el célebre dicho «una imagen vale más que mil palabras», y es por esto que gracias, entre otras cosas a la fotografía, el ser humano ha logrado captar las verdades del mundo, realidades que no siempre se encuentran a simple vista.
En pleno período entre guerras, en el año de 1923 en Estados Unidos, nació Diane Arbus, una mujer que rompería los paradigmas establecidos por la sociedad de la época de los años 50’s y 60’s, mostrando la real cara de las personas que habitaban la Nueva York de ese entonces, retratándolas e inmortalizándolas.
Una pionera
Desde pequeña, Diane se interesó por las artes visuales, a pesar de nunca haber podido tener una educación formal al respecto, su interés por la pintura y el dibujo continuó hasta el momento de su matrimonio en 1941, cuando se casa con el reconocido Allan Arbus quien trabajaba en ese entonces en el ámbito de la mercadotecnia y la publicidad, y quien impulsará a Diane a adentrarse poco a poco en ese mundo, desde una perspectiva artística, como fotógrafa.
Luego de trabajar varios años como fotógrafa de moda para campañas publicitarias principalmente en revistas como Vogue o Glamour, siendo una de las pocas mujeres presentes detrás de la lente en este oficio que estaba protagonizado por hombres en ese entonces.
Bares, clubes nocturnos y conciertos de jazz
Desafortunadamente el mundo de la moda de los años 40’s estaba principalmente caracterizado por roles de género definidos, mujeres como modelos y hombres como fotógrafos. A pesar de haber logrado establecer su lugar en la industria, siendo una de las principales fotógrafas de la famosa editorial Vogue, llegó a un punto de su vida, después de casi 15 años en el ámbito, en el que decidió que ese ambiente no era lo que buscaba, y que la percepción artificial de la belleza presentes en ese trabajo con el que
inició su carrera, no era el objetivo que ella se planteaba como fotógrafa.
En 1956, Diane se convirtió en aprendiz de la renombrada fotógrafa austriaca Lisette Model, quien al igual que Arbus, había comenzado su carrera como fotógrafa en el mundo de la moda pero al haber sido desplazada de ese sector hizo un salto hacia la fotografía de la vida nocturna neoyorkina, retratando bares, clubes nocturnos y conciertos de jazz. Fotografiando así, no solo los ambientes sino también las personas que los habitaban, tanto célebres autores como George Simenon y a músicos que comenzaban sus carreras y que en el futuro llegarían a la fama como Frank Sinatra y Louis Armstrong. Estos retratos, en los que logra plasmar la esencia de sus retratados, captaron la atención del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el MOMA, y fue allí en donde se le dio mayor visibilidad al trabajo de la fotógrafa austriaca y quien sería la principal referencia y maestra de Diane.
Alto contraste
Y testimonio de esto, se observa en el trabajo que continuó Diane a partir de las enseñanzas de Lisette Model: sus fotografías comenzaron a reflejar otras realidades humanas, muchas veces olvidadas o censuradas por la sociedad del momento. Definitivamente estaba encontrando su camino.
Diane se dedicó a reflexionar acerca de los ideales de belleza, ir más allá que lo experimentado en sus trabajos de la industria de moda. Comenzó a documentar eventos donde se reflejaran los distintos cánones de belleza, tales como concursos de fisicoculturismo, shows drags, espectáculos de fenómenos y prostíbulos. Adentrándose en nuevos estilos de vida, Diane se dio cuenta de todos los prejuicios y discriminaciones por las que pasaba cada uno de estos grupos, y las razones que los habían llevado a optar por vivir al margen de la sociedad a cambio de tener libertad de expresión.
Admiradora de estas sociedades marginadas, decidió testimoniar por medio de la fotografía a estas personas y organizar una exposición en la que sus realidades retratadas contrastaran con los retratos de personas que cumplieran con las aparentes expectativas de la sociedad del momento viviendo en los «suburbios del sueño americano», demostrando que tanto unas como otras, todas son personas y por ende no debería existir discriminación ante la expresión. Buscaba crear consciencia y hacer reflexionar a la sociedad para dar un paso adelante e ir más allá de los paradigmas existentes.
El drag a los museos
Esta exposición causó mucha controversia, ya que las personas no estaban habituadas a estar frente estas realidades que habían buscado ocultar desde hace tantas décadas. Muchos críticos la juzgaron de inmoral, pero a pesar de eso logró captar la atención del Museo Guggenheim quien le otorgó una beca para proseguir con sus trabajos, y del Museo de Arte Moderno que decidió adquirir algunas piezas de la exposición para ser ahora parte de la colección del museo.
En 1963 algunas de las fotografías de Diane fueron parte de la célebre exposición «American Rites, Manners, and Customs» del museo Guggenheim, dándole visibilidad a varios grupos de New York, entre otras, el movimiento Drag al protagonizar esta exposición retratando fielmente sus distintos eventos.
Untitled (#)
El final de los años 60’s marcó un cambio en la vida de Diane, quien después de ser diagnosticada con Hepatitis B, comenzó una fuerte depresión que la acompañó hasta el final de sus días. Lo que vivía a nivel personal se vio reflejado directamente en su trabajo, y sus últimas obras fueron parte de una colección titulada «Untitled (#)» donde sus protagonistas fueron principalmente pacientes de una clínica psiquiátrica del estado de Jersey, retratados con máscaras cubriendo sus cabezas, ocultándose en el anonimato. Contrario a toda obra precedente, en esta colección buscaba que cada retrato fuera una pieza de un gran conjunto, dejando de lado el protagonismo natural e inédito en cada fotografía individual, y como estaba caracterizada su obra hasta ese entonces.
Diane Arbus, más allá de lo usual
A causa de una fuerte depresión, Diane se suicidó el 26 de Julio del 1971 en su apartamento. Las obras tardías de Diane fueron encontradas post mortem, y serían piezas de una exposición póstuma publicada hasta 1995.
El trabajo revolucionario de Diane Arbus, tuvo un gran impacto en su momento al romper los paradigmas existentes ante las distintas realidades de New York. Por medio de sus obras logró dar visibilidad y reducir la discriminación hacia varios movimientos marginados hasta ese entonces, demostrando que la belleza no es solamente lo que la sociedad dicta como cánones, sino que va mucho más allá de lo que se considera usual.
Sus fotografías inmortalizaron la escena LGBT del momento, desafiaron lo «políticamente correcto» de los años 50’s y lograron abrir camino hasta las salas de los museos de arte más renombrados del mundo.
Una inspiración
Su perspectiva ayudó a abrir los ojos e inspirar a muchos fotógrafos en los años posteriores tales como Cindy Sherman y Nan Goldin, mujeres que lograron deconstruir los estereotipos de género, no solo aquellos legados a la fotografía como profesión mayormente dominada por hombres, sino también al cambiar la percepción del rol de la mujer en la sociedad de momento.
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